ルゥーシー・リィーといえば、高台が小さくラッパのように広がった形状の器を思い出す。これまで彼女の作品を見てもそこまで惹かれたことがなかったし、数ある作品の一つに過ぎなかった。だが、あの形状は不思議と記憶に強く刻み込まれているのだ。

今、私は自分が美しいと思えるフォルムの作品を生み出そうともがいている。そんな中、美しいフォルムを追求していくと、彼女の作品のような高台が小さい器になることが何度かあった。もしかしたら、記憶の奥底に強く刻み込まれたあの形状が無意識のうちに顔を出したのかもしれない。

不思議と美しい造形を追求していくとその線上に彼女がいるのである。

その理由は、この本を読んで納得した。

「… 釉も文様も、それぞれの特質を最高度に発現しながら、このフォルムの磨き抜かれた美しさを引き立てる__というよりもむしろ、フォルムと釉と文様とが渾然と一体になって、まさに陶磁器以外の何ものでもない一つの世界がここに作り出されているのである。」

「彼女は極めて多様で豊かな装飾文様を生み出すことができた。しかもその文様は、あくまで作品のフォルムに即しつつ、その表面を生気づけるためにほどこされていて、決して過剰に陥っていない。このフォルムが装飾を引き立て、装飾がフォルムを活かすという関係は、ルゥーシー・リィーの作品においては絶妙と言っていいほど見事である。」

まさに、この二つの文書は、私が美を意識して作品を生み出すときに、細心の注意を払っていることに他ならない。

私は器を作る時に、全体のバランス、高台の大きさと高さ、口縁の反りと厚み、装飾をどこにどれだけ入れれば良いかを考えている。装飾はとても重要な役割を果たしている。線一本をどこに入れるかによって、間延びしていた胴の張りに緊張感が出てくる。何本入れるかによって、線の上部と下部のバランスが大きく変わる。線の太さによって力強さと繊細さが変わり全体の印象が違ってくる。また、模様の彫り込んだ線が指にかかり滑り止めの効果にもなる。

これらの見極めは、私はまだまだ未熟だ。経験を重ねていくしかない。この積み重ねが、自分だけの曲線、バランス、装飾を作っていくことになっていくのだろう。

ルゥーシー・リィーといえば、高台が小さくラッパのように広がった形状の器を思い出す。これまで彼女の作品を見てもそこまで惹かれたことがなかったし、数ある作品の一つに過ぎなかった。だが、あの形状は不思議と記憶に強く刻み込まれているのだ。

今、私は自分が美しいと思えるフォルムの作品を生み出そうともがいている。そんな中、美しいフォルムを追求していくと、彼女の作品のような高台が小さい器になることが何度かあった。もしかしたら、記憶の奥底に強く刻み込まれたあの形状が無意識のうちに顔を出したのかもしれない。

不思議と美しい造形を追求していくとその線上に彼女がいるのである。

その理由は、この本を読んで納得した。

「… 釉も文様も、それぞれの特質を最高度に発現しながら、このフォルムの磨き抜かれた美しさを引き立てる__というよりもむしろ、フォルムと釉と文様とが渾然と一体になって、まさに陶磁器以外の何ものでもない一つの世界がここに作り出されているのである。」

「彼女は極めて多様で豊かな装飾文様を生み出すことができた。しかもその文様は、あくまで作品のフォルムに即しつつ、その表面を生気づけるためにほどこされていて、決して過剰に陥っていない。このフォルムが装飾を引き立て、装飾がフォルムを活かすという関係は、ルゥーシー・リィーの作品においては絶妙と言っていいほど見事である。」

まさに、この二つの文書は、私が美を意識して作品を生み出すときに、細心の注意を払っていることに他ならない。

私は器を作る時に、全体のバランス、高台の大きさと高さ、口縁の反りと厚み、装飾をどこにどれだけ入れれば良いかを考えている。装飾はとても重要な役割を果たしている。線一本をどこに入れるかによって、間延びしていた胴の張りに緊張感が出てくる。何本入れるかによって、線の上部と下部のバランスが大きく変わる。線の太さによって力強さと繊細さが変わり全体の印象が違ってくる。また、模様の彫り込んだ線が指にかかり滑り止めの効果にもなる。

これらの見極めは、私はまだまだ未熟だ。経験を重ねていくしかない。この積み重ねが、自分だけの曲線、バランス、装飾を作っていくことになっていくのだろう。

前回のブログを書いてみて、改めて美しいカタチとはどんなものかを考えてみた。

個人的には、作品を制作する時にいつも参考にする曲線は、アール・ヌーボーの時代のガラス作品である。ガレやドームもいるが、個人的にはルネ・ラリックが一番好きである。

木材の曲線は、自分で削り出して探し出す曲線だが、ガラスの曲線は重力が作り出す曲線だと思っている。ガラス作家はそれすらも自分の曲線だと言い張るかもしれないが、私はガラス作家ではないのでそこのところはわからない。

あの淀みのない曲線は、人間の手では到底作り出すことはできない。その想いが強いからこそ、円空の鉈で割ったそのままの造形に憧れているのは間違いない。

自然が作り出す曲線に人間が作り出す曲線が敵うはずがないのだ。

しかし、そこを突き詰めていくことこそ、美しいカタチを作り出す道かもしれない。

それでは、美しいカタチのものとは、どんなものがあるのか想像してみよう。

ここからは、個人的な意見を述べるので、それは違うと思う人も出てくるだろうが、もしかすると皆が同意するような普遍的な美しさをさしているかもしれない。ここでいう美しさとは、日本人ならではの感覚かもしれない。もしくは、世代別で美しさの基準が違うかもしれない。そんなことを考えていては、自分自身の求めるものがわからなくなってしまうので私なりの美しいと思うものを述べていくことにする。

あらためて美しいカタチとはどんなものなのかを考えてみる。

頭の中に浮かんきたものを自分のふるいにかけて、見事にそのふるいに残ったのは

鳥と書。(その他にももっとゆっくり考えればあるかもしれないけれど…)

まず、鳥。

特にツルとニワトリ。

でも、これは日本人にしか当てはまらないかもしれないが、嘴の流線型から二本足で立つ不安定さ、その不安体さを保つためのバランスを尾でとっている。もちろん、鳥の飛んでいる姿も格別に美しい。ニワトリは飛ばないが…

次に、思い浮かんだのが、まさかの人間が作り出した文字「書」だった。

これこそ、日本人にしか理解し得ないことだと思うが、あらためて考えてみると、「書」は人が全てを思い通りにすることはできないものなのかもしれない。鉛筆とは違い、人がコントロールできない部分は必ずあると思う。

それこそが、美しさの大きな要因なのかもしれない。書家の方には、大変無礼なことを書いているかもしれないが、あくまで個人的な見解なので…

ふと、気づくことがある。

木彫りも、人の手で彫るが、その彫り跡は、必ずしも作者の思い通りではないということである。木目の流れに作用されたり、彫刻刀の切れ味によって違ったり、厳密に合えば、彫刻刀の侵入角度や、その時の筋肉疲労によって変わってくる。集中している時、考え事をしていて気が入っていない時、あらゆる条件によって刃物がえぐる曲線は、人間の意図しないものになってしまう。それは、作者自身が気がつかないくらいの違いかもしれないが、人智が及ばない世界の微妙な違いかもしない。しかし、それこそが明暗を分ける大きな違いになってくるのかもしれない。

むしろ、その微妙な違いを繊細に感じ取れる段階にまでいかなければ、求める美しい曲線は作り出せないのかもしれない。

こんなことは作り手として、絶対に書くべきではないことだが、自分の作品の全てを美しいかどうかということだけを基準に見て見た時に、どれ一つとして、自信を持って美しいと言える作品は見当たらなかった。惜しい作品はいくつかあったがそれもほんのわずかでしかない。

この自分のの中の基準はどこからくるのだろうか。おそらく、これまで自分自身が感動してきたものの普遍的な美しさだと思う。

それは、遺伝子レベルなのか。個人的な好き嫌いによるものかはわからないが、自分自身の中に美しいと思える曲線があることは確かである。

そして、その曲線を作り出せていないのも確かである。

もちろん、これまでも意識はしてきたが、まだまだ、甘い部分もあったのは間違いない。しかし、それは、価格との兼ね合いもあり妥協してきたと言い訳したい。

しかし、これからさらに上を目指すのであれば、そこを妥協せずに追求していかなければいけないだろう。

自分が美しいと思える曲線がどこまで通用するのかを

そう考えるとワクワクしてきて眠れない。


前回のブログを書いてみて、改めて美しいカタチとはどんなものかを考えてみた。

個人的には、作品を制作する時にいつも参考にする曲線は、アール・ヌーボーの時代のガラス作品である。ガレやドームもいるが、個人的にはルネ・ラリックが一番好きである。

木材の曲線は、自分で削り出して探し出す曲線だが、ガラスの曲線は重力が作り出す曲線だと思っている。ガラス作家はそれすらも自分の曲線だと言い張るかもしれないが、私はガラス作家ではないのでそこのところはわからない。

あの淀みのない曲線は、人間の手では到底作り出すことはできない。その想いが強いからこそ、円空の鉈で割ったそのままの造形に憧れているのは間違いない。

自然が作り出す曲線に人間が作り出す曲線が敵うはずがないのだ。

しかし、そこを突き詰めていくことこそ、美しいカタチを作り出す道かもしれない。

それでは、美しいカタチのものとは、どんなものがあるのか想像してみよう。

ここからは、個人的な意見を述べるので、それは違うと思う人も出てくるだろうが、もしかすると皆が同意するような普遍的な美しさをさしているかもしれない。ここでいう美しさとは、日本人ならではの感覚かもしれない。もしくは、世代別で美しさの基準が違うかもしれない。そんなことを考えていては、自分自身の求めるものがわからなくなってしまうので私なりの美しいと思うものを述べていくことにする。

あらためて美しいカタチとはどんなものなのかを考えてみる。

頭の中に浮かんきたものを自分のふるいにかけて、見事にそのふるいに残ったのは

鳥と書。(その他にももっとゆっくり考えればあるかもしれないけれど…)

まず、鳥。

特にツルとニワトリ。

でも、これは日本人にしか当てはまらないかもしれないが、嘴の流線型から二本足で立つ不安定さ、その不安体さを保つためのバランスを尾でとっている。もちろん、鳥の飛んでいる姿も格別に美しい。ニワトリは飛ばないが…

次に、思い浮かんだのが、まさかの人間が作り出した文字「書」だった。

これこそ、日本人にしか理解し得ないことだと思うが、あらためて考えてみると、「書」は人が全てを思い通りにすることはできないものなのかもしれない。鉛筆とは違い、人がコントロールできない部分は必ずあると思う。

それこそが、美しさの大きな要因なのかもしれない。書家の方には、大変無礼なことを書いているかもしれないが、あくまで個人的な見解なので…

ふと、気づくことがある。

木彫りも、人の手で彫るが、その彫り跡は、必ずしも作者の思い通りではないということである。木目の流れに作用されたり、彫刻刀の切れ味によって違ったり、厳密に合えば、彫刻刀の侵入角度や、その時の筋肉疲労によって変わってくる。集中している時、考え事をしていて気が入っていない時、あらゆる条件によって刃物がえぐる曲線は、人間の意図しないものになってしまう。それは、作者自身が気がつかないくらいの違いかもしれないが、人智が及ばない世界の微妙な違いかもしない。しかし、それこそが明暗を分ける大きな違いになってくるのかもしれない。

むしろ、その微妙な違いを繊細に感じ取れる段階にまでいかなければ、求める美しい曲線は作り出せないのかもしれない。

こんなことは作り手として、絶対に書くべきではないことだが、自分の作品の全てを美しいかどうかということだけを基準に見て見た時に、どれ一つとして、自信を持って美しいと言える作品は見当たらなかった。惜しい作品はいくつかあったがそれもほんのわずかでしかない。

この自分のの中の基準はどこからくるのだろうか。おそらく、これまで自分自身が感動してきたものの普遍的な美しさだと思う。

それは、遺伝子レベルなのか。個人的な好き嫌いによるものかはわからないが、自分自身の中に美しいと思える曲線があることは確かである。

そして、その曲線を作り出せていないのも確かである。

もちろん、これまでも意識はしてきたが、まだまだ、甘い部分もあったのは間違いない。しかし、それは、価格との兼ね合いもあり妥協してきたと言い訳したい。

しかし、これからさらに上を目指すのであれば、そこを妥協せずに追求していかなければいけないだろう。

自分が美しいと思える曲線がどこまで通用するのかを

そう考えるとワクワクしてきて眠れない。


私はいつも、出張する時には、図書館で本を借りて宿泊先で読んでいる。出張中が仕事から強制的に引き離される唯一の時間かもしれない。

いつものように本を探していた時に、先日、実家の法事で、器の絵付けをしている親戚のおじさんが「器はカタチが全てだ。」と熱弁していたのが記憶の片隅に残っていたらしく、器の本に手が伸びていた。

「原色日本の美術 陶芸」と「原色日本の美術 請来美術(陶芸)」という大型本の図鑑は何度となく見てカタチの勉強はしてきたし参考にしてきた。なぜ、それらの器がなぜ国宝と呼ばれるのか高さ・高台の大きさ・直径などの比率も実際に参考にして器を制作もしたことがあった。しかし、それらはカタチをなぞっただけに過ぎず、本質に至ってはいなかったことをこの「名碗を観る」を読んで痛感した。

名碗がなぜ名碗たるのかを器の背景やカタチ、バランス、景色などを解説したとてもわかりやすい本だった。

しかし、この本で紹介されていた名碗は、茶道のお茶を飲むための器として紹介されていたので、私が制作するお椀とは異なることは理解しておかなくてはいけない。

だが、お茶を飲む器であろうが汁椀であろうが飯碗であろうが、器のバランスには普遍的なものもあると思われる。その要因として手にした時の重さや手の収まり、口縁の厚みや反り、見込みの深さ、高台の形やバランスなどそれらがうまく調和し、普遍的なバランスに収まった時に人の心を揺さぶる名器になるのかもしれない。

これらを満たす器を作り上げるには、実際に出来上がったものを使ってみて、手の感触、重さ、口当たりなどを吟味し、自分の思い描く理想の感覚に少しずつ擦り合わせていく作業になるのだろう。木工よりも焼き物でのこの作業は、はるかに難しいことなのかもしれない。

私も、これから長い年月をかけて理想とする器を追い求めていくことを楽しんでいきたいと思うようになった。

見て美しく、持って心地よく、口をつけて感動する名椀を求めて


私はいつも、出張する時には、図書館で本を借りて宿泊先で読んでいる。出張中が仕事から強制的に引き離される唯一の時間かもしれない。

いつものように本を探していた時に、先日、実家の法事で、器の絵付けをしている親戚のおじさんが「器はカタチが全てだ。」と熱弁していたのが記憶の片隅に残っていたらしく、器の本に手が伸びていた。

「原色日本の美術 陶芸」と「原色日本の美術 請来美術(陶芸)」という大型本の図鑑は何度となく見てカタチの勉強はしてきたし参考にしてきた。なぜ、それらの器がなぜ国宝と呼ばれるのか高さ・高台の大きさ・直径などの比率も実際に参考にして器を制作もしたことがあった。しかし、それらはカタチをなぞっただけに過ぎず、本質に至ってはいなかったことをこの「名碗を観る」を読んで痛感した。

名碗がなぜ名碗たるのかを器の背景やカタチ、バランス、景色などを解説したとてもわかりやすい本だった。

しかし、この本で紹介されていた名碗は、茶道のお茶を飲むための器として紹介されていたので、私が制作するお椀とは異なることは理解しておかなくてはいけない。

だが、お茶を飲む器であろうが汁椀であろうが飯碗であろうが、器のバランスには普遍的なものもあると思われる。その要因として手にした時の重さや手の収まり、口縁の厚みや反り、見込みの深さ、高台の形やバランスなどそれらがうまく調和し、普遍的なバランスに収まった時に人の心を揺さぶる名器になるのかもしれない。

これらを満たす器を作り上げるには、実際に出来上がったものを使ってみて、手の感触、重さ、口当たりなどを吟味し、自分の思い描く理想の感覚に少しずつ擦り合わせていく作業になるのだろう。木工よりも焼き物でのこの作業は、はるかに難しいことなのかもしれない。

私も、これから長い年月をかけて理想とする器を追い求めていくことを楽しんでいきたいと思うようになった。

見て美しく、持って心地よく、口をつけて感動する名椀を求めて


私が、この仕事を始めて8年が経つ。

始めた頃の気持ちを持ち続けるのは難しいが、いつも自分が戻る場所〈核〉を意識している。
そこからズレなければ、うまくいくという不思議な感覚がある。

これまでは、がむしゃらに意識を外に向けてアンテナを張りめくらし自分の土台を固めていたような気がする。
しかし、少しずつ環境も変化してきた。

そろそろ吸収することから、発信することに移行していく時期になってきたような気がする。
蓄積してしたエネルギーを、より発展させ高めて磨き上げる。
その転換期となる大きな節目になりそうな予感がしている。

今年は、この仕事を始めた頃から改良を重ね進化し続けてきた愛bowを「国際福祉機器展」で発表する。
クラウドファンディングを利用して、たくさんの支援者の力を借りて、背中を押してもらい、
次のステージに立つことができることに本当に感謝している。
もう、私一人だけの仕事ではなくなってきた。

ひとりでがむしゃらに頑張ってきた時期から、複数の人で進めるプロジェクトも増えてきた気がする。

私は仕事の未来を思い描ける時期と、
先がどうなるのか想像もつかない不安とわくわくの時期が、
交互にやってくるのだが、
今は後者の方である。

この展示会を終えたあとには、どんな未来がひらけているのか
まさに想像もつかない。
もしかしたら何も変わらない日常なのか…

今、未来へのその扉に手をかけて、たくさんの方に背中を押されて開こうとしている。

どんな結果になろうとも
未来は続いていくのだ・・・

私が、この仕事を始めて8年が経つ。

始めた頃の気持ちを持ち続けるのは難しいが、いつも自分が戻る場所〈核〉を意識している。
そこからズレなければ、うまくいくという不思議な感覚がある。

これまでは、がむしゃらに意識を外に向けてアンテナを張りめくらし自分の土台を固めていたような気がする。
しかし、少しずつ環境も変化してきた。

そろそろ吸収することから、発信することに移行していく時期になってきたような気がする。
蓄積してしたエネルギーを、より発展させ高めて磨き上げる。
その転換期となる大きな節目になりそうな予感がしている。

今年は、この仕事を始めた頃から改良を重ね進化し続けてきた愛bowを「国際福祉機器展」で発表する。
クラウドファンディングを利用して、たくさんの支援者の力を借りて、背中を押してもらい、
次のステージに立つことができることに本当に感謝している。
もう、私一人だけの仕事ではなくなってきた。

ひとりでがむしゃらに頑張ってきた時期から、複数の人で進めるプロジェクトも増えてきた気がする。

私は仕事の未来を思い描ける時期と、
先がどうなるのか想像もつかない不安とわくわくの時期が、
交互にやってくるのだが、
今は後者の方である。

この展示会を終えたあとには、どんな未来がひらけているのか
まさに想像もつかない。
もしかしたら何も変わらない日常なのか…

今、未来へのその扉に手をかけて、たくさんの方に背中を押されて開こうとしている。

どんな結果になろうとも
未来は続いていくのだ・・・

読書の夏である。
まだまだ、出口の見えない迷宮を彷徨っている。
多くの芸術家の声に耳を傾けても、解決の糸口すら見えてこない。
そう簡単に求める答えが見つかるとは思ってもいないがけれど

前回読んだ本と一緒に、借りてきた猪熊弦一郎さんの本。
まだ、猪熊さんの美術館へは行ったことがないが一度行ってみたいと思っている美術館の一つだ。

なぜ、このタイミングで猪熊さんに引かれたのかは、間違いなく子供が生まれたことにあるだろう。
たまたま見つけた絵本『いのくまさん』(絵・猪熊弦一郎/文・谷川俊太郎)
この人のことを知りたい。その好奇心から手に取った本が今回の本だった。

その本の中で心に響いた文章を抜粋して紹介する。
 
〈猪熊さんが長年憧れ続け、目標にしていた「子供の絵」。といっても、それは本当の子どもが描く絵のことではありません。一人の画家が、描いて描いて描き続け、すべての技術を会得したあとにはじめて到達する、全く新しい天衣無縫の美。それは、子供以上の子どもとでも言うべき永遠の境地です。〉

私も同じように思っていた。私が作る彫刻も細かく観察して精密に作ることができて初めて、その形のその奥にある本質が捉えられるのではないか。そうして自分のフィルターを通して見える作品が表現できると思っている。オリジナリティーはそれから生まれてくると。

〈アートとはその時代の答えであると同時にその人自身の答えでもある。だからこの場所は、これから未来に向かって芸術家がいかに新たな道を切り拓き、今ここにないものを新しく発見していくかという、一番大切でかつ難しいことの結果を見せる美術館であり続けなければならない。〉(自身の美術館について)

〈画家が素直に自分自身を出せば、人とは違ったオリジナルの絵を描くことができる。しかし人間には欲があるからどうしても描きすぎる。こころで描かずにテクニックに頼ってしまう。〉

テクニックというのはとても便利で頼ってしまうものだ。それの魔力に取り憑かれないように、オリジナルを表現するための引き出しとして準備するくらいがいいのかもしれない。

〈たとえば散らかった狭い部屋。一脚の椅子をまっすぐに置いてみるだけで、そこに秩序が生まれ、部屋全体の印象が変わる。このように混乱に秩序を与えることで新しい美が生まれてくるという考え方です。〉

とても面白い考え方で興味深い。
日本らしい考え方ならば、綺麗に整頓されて部屋では息苦しいから、少しの緩みがあった方が落ち着くとなるはずだが、逆になっている。散らかった部屋の一部を整えることで新しい美が生まれるらしい。なんとなくわかるような気がする。

猪熊さんの「天衣無縫の美」という言葉がとてもしっくりくる。
私もこうありたいと切に願う。

読書の夏である。
まだまだ、出口の見えない迷宮を彷徨っている。
多くの芸術家の声に耳を傾けても、解決の糸口すら見えてこない。
そう簡単に求める答えが見つかるとは思ってもいないがけれど

前回読んだ本と一緒に、借りてきた猪熊弦一郎さんの本。
まだ、猪熊さんの美術館へは行ったことがないが一度行ってみたいと思っている美術館の一つだ。

なぜ、このタイミングで猪熊さんに引かれたのかは、間違いなく子供が生まれたことにあるだろう。
たまたま見つけた絵本『いのくまさん』(絵・猪熊弦一郎/文・谷川俊太郎)
この人のことを知りたい。その好奇心から手に取った本が今回の本だった。

その本の中で心に響いた文章を抜粋して紹介する。
 
〈猪熊さんが長年憧れ続け、目標にしていた「子供の絵」。といっても、それは本当の子どもが描く絵のことではありません。一人の画家が、描いて描いて描き続け、すべての技術を会得したあとにはじめて到達する、全く新しい天衣無縫の美。それは、子供以上の子どもとでも言うべき永遠の境地です。〉

私も同じように思っていた。私が作る彫刻も細かく観察して精密に作ることができて初めて、その形のその奥にある本質が捉えられるのではないか。そうして自分のフィルターを通して見える作品が表現できると思っている。オリジナリティーはそれから生まれてくると。

〈アートとはその時代の答えであると同時にその人自身の答えでもある。だからこの場所は、これから未来に向かって芸術家がいかに新たな道を切り拓き、今ここにないものを新しく発見していくかという、一番大切でかつ難しいことの結果を見せる美術館であり続けなければならない。〉(自身の美術館について)

〈画家が素直に自分自身を出せば、人とは違ったオリジナルの絵を描くことができる。しかし人間には欲があるからどうしても描きすぎる。こころで描かずにテクニックに頼ってしまう。〉

テクニックというのはとても便利で頼ってしまうものだ。それの魔力に取り憑かれないように、オリジナルを表現するための引き出しとして準備するくらいがいいのかもしれない。

〈たとえば散らかった狭い部屋。一脚の椅子をまっすぐに置いてみるだけで、そこに秩序が生まれ、部屋全体の印象が変わる。このように混乱に秩序を与えることで新しい美が生まれてくるという考え方です。〉

とても面白い考え方で興味深い。
日本らしい考え方ならば、綺麗に整頓されて部屋では息苦しいから、少しの緩みがあった方が落ち着くとなるはずだが、逆になっている。散らかった部屋の一部を整えることで新しい美が生まれるらしい。なんとなくわかるような気がする。

猪熊さんの「天衣無縫の美」という言葉がとてもしっくりくる。
私もこうありたいと切に願う。